VA • The Colors Of Latin Jazz Soul Sauce

 

João Donato • The New Sound Of Brazil

 

Review:
by Thom Jurek
This very evocative 1965 recording session was a cause for celebration not only among critics but among the bossa nova-crazed audiences of Brazil and the U.S, and it sold quite well. Donato is a jazz pianist first, and his allegiances in harmony and melody come from there first and foremost. But rhythmically and in his phrasing, he comes from the generation of Brazilian musicians who developed the bossa nova as an art form. His touch is light, his settings are lush and laid-back, and his playing is as much or more from his left hand as his right. Solos on these records are wonderfully improvised, but they reflect the sweet, gorgeous melodies on the front line of these tunes. As such, Donato comes across as an elegant pianist and ensemble player, establishing his individual touch as a leader in that left hand rhythmic bent where he loves those shaded keys. His finest compositions here are his own: the sensual "Amazon," the slightly sassy and savvy "It Didn't End," and his reading of Luiz Bonfá's "Samba de Orfeu," which rivals the original for its ambience and texture with a gorgeous string arrangement courtesy of conductor Claus Ogerman. This is one of Brazil's more moving and beautiful bossa albums, and should not be overlooked by recent fans of the genre or by jazz fans interested in the exotic side of the music.
https://www.allmusic.com/album/the-new-sound-of-brazil-piano-of-jo%C3%A3o-donato-mw0000460348

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Revisión:
por Thom Jurek
Esta sesión de grabación de 1965, muy evocadora, fue motivo de celebración no sólo entre los críticos sino también entre el público loco por la bossa nova de Brasil y Estados Unidos, y se vendió bastante bien. Donato es, ante todo, un pianista de jazz, y de ahí provienen, en primer lugar, su armonía y su melodía. Pero rítmicamente y en su fraseo, proviene de la generación de músicos brasileños que desarrollaron la bossa nova como forma de arte. Su toque es ligero, sus ajustes son exuberantes y relajados, y su forma de tocar es tanto o más de su mano izquierda como de la derecha. Los solos de estos discos son maravillosamente improvisados, pero reflejan las dulces y magníficas melodías en primera línea de estas melodías. Como tal, Donato se presenta como un elegante pianista y músico de conjunto, estableciendo su toque individual como líder en esa inclinación rítmica de la mano izquierda donde ama esas teclas sombreadas. Sus mejores composiciones aquí son las suyas: la sensual "Amazon", la ligeramente atrevida y astuta "It Didn't End", y su lectura de la "Samba de Orfeu" de Luiz Bonfá, que rivaliza con la original por su ambiente y textura con un magnífico arreglo de cuerdas cortesía del director Claus Ogerman. Este es uno de los discos de bossa más conmovedores y hermosos de Brasil, y no debería ser pasado por alto por los aficionados recientes al género o por los fans del jazz interesados en el lado exótico de la música.
https://www.allmusic.com/album/the-new-sound-of-brazil-piano-of-jo%C3%A3o-donato-mw0000460348

Art Blakey • Holiday for Skins

 

 

Biography by Chris Kelsey
In the '60s, when John Coltrane and Ornette Coleman were defining the concept of a jazz avant-garde, few knowledgeable observers would have guessed that in another 30 years the music's mainstream would virtually bypass their innovations, in favor of the hard bop style that free jazz had apparently supplanted. As it turned out, many listeners who had come to love jazz as a sophisticated manifestation of popular music were unable to accept the extreme esotericism of the avant-garde; their tastes were rooted in the core elements of "swing" and "blues," characteristics found in abundance in the music of the Jazz Messengers, the quintessential hard bop ensemble led by drummer Art Blakey. In the '60s, '70s, and '80s, when artists on the cutting edge were attempting to transform the music, Blakey continued to play in more or less the same bag he had since the '40s, when his cohorts included the likes of Charlie Parker, Miles Davis, and Fats Navarro. By the '80s, the evolving mainstream consensus had reached a point of overwhelming approval in regard to hard bop: this is what jazz is, and Art Blakey -- as its longest-lived and most eloquent exponent -- was its master.

The Jazz Messengers had always been an incubator for young talent. A list of the band's alumni is a who's who of straight-ahead jazz from the '50s on -- Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett, and Chuck Mangione, to name several of the most well-known. In the '80s, precocious graduates of Blakey's School for Swing would continue to number among jazz's movers and shakers, foremost among them being trumpeter Wynton Marsalis. Marsalis became the most visible symbol of the '80s jazz mainstream; through him, Blakey's conservative ideals came to dominate the public's perception of the music. At the time of his death in 1990, the Messenger aesthetic dominated jazz, and Blakey himself had arguably become the most influential jazz musician of the past 20 years.

Blakey's first musical education came in the form of piano lessons; he was playing professionally as a seventh grader, leading his own commercial band. He switched to drums shortly thereafter, learning to play in the hard-swinging style of Chick Webb and Sid Catlett. In 1942, he played with pianist Mary Lou Williams in New York. He toured the South with Fletcher Henderson's band in 1943-1944. From there, he briefly led a Boston-based big band before joining Billy Eckstine's new group, with which he would remain from 1944-1947. Eckstine's big band was the famous "cradle of modern jazz," and included (at different times) such major figures of the forthcoming bebop revolution as Dizzy Gillespie, Miles Davis, and Charlie Parker. When Eckstine's group disbanded, Blakey started a rehearsal ensemble called the Seventeen Messengers. He also recorded with an octet, the first of his bands to be called the Jazz Messengers. In the early '50s, Blakey began an association with Horace Silver, a particularly likeminded pianist with whom he recorded several times. In 1955, they formed a group with Hank Mobley and Kenny Dorham, calling themselves "Horace Silver and the Jazz Messengers." The Messengers typified the growing hard bop movement -- hard, funky, and bluesy, the band emphasized the music's primal rhythmic and harmonic essence. A year later, Silver left the band, and Blakey became its leader. From that point, the Messengers were Blakey's primary vehicle, though he would continue to freelance in various contexts. Notable was A Jazz Message, a 1963 Impulse record date with McCoy Tyner, Sonny Stitt, and Art Davis; a 1971-1972 world tour with "the Giants of Jazz," an all-star venture with Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt, and Al McKibbon; and an epochal drum battle with Max Roach, Elvin Jones, and Buddy Rich at the 1964 Newport Jazz Festival. Blakey also frequently recorded as a sideman under the leadership of ex-Messengers.

Blakey's influence as a bandleader could not have been nearly so great had he not been such a skilled instrumentalist. No drummer ever drove a band harder; none could generate more sheer momentum in the course of a tune; and probably no drummer had a lower boiling point -- Blakey started every performance full-bore and went from there. His accompaniment style was relentless, and woe to the young saxophonist who couldn't keep up, for Blakey would run him over like a fullback. Blakey differed from other bop drummers in that his style was almost wholly about the music's physical attributes. Where his contemporary Max Roach dealt extensively with the drummer's relationship to melody and timbre, for example, Blakey showed little interest in such matters. To him, jazz percussion wasn't about tone color; it was about rhythm -- first, last, and in between. Blakey's drum set was the engine that propelled the music. To the extent that he exhibited little conceptual development over the course of his long career, either as a player or as a bandleader, Blakey was limited. He was no visionary by any means. But Blakey did one thing exceedingly well, and he did it with genius, spirit, and generosity until the very end of his life.
https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography

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Biografía de Chris Kelsey
En los años 60, cuando John Coltrane y Ornette Coleman estaban definiendo el concepto de vanguardia del jazz, pocos observadores conocedores habrían adivinado que en otros 30 años la corriente principal de la música pasaría virtualmente por alto sus innovaciones, a favor del estilo hard bop que el free jazz aparentemente había suplantado. Al final resultó que, muchos oyentes que habían llegado a amar el jazz como una manifestación sofisticada de la música popular no pudieron aceptar el esoterismo extremo de la vanguardia; sus gustos estaban arraigados en los elementos centrales del "swing" y el "blues", características que se encuentran en abundancia en la música de Jazz Messengers, el conjunto hard bop por excelencia dirigido por el baterista Art Blakey. En los años 60, 70 y 80, cuando artistas de vanguardia intentaban transformar la música, Blakey continuó tocando más o menos en la misma bolsa que tenía desde los años 40, cuando sus cohortes incluían a Charlie Parker, Miles Davis y Fats Navarro. Para los años 80, el consenso general en evolución había alcanzado un punto de aprobación abrumadora con respecto al hard bop: esto es lo que es el jazz, y Art Blakey, como su exponente más longevo y elocuente, era su maestro.

Los Jazz Messengers siempre habían sido una incubadora de jóvenes talentos. Una lista de los alumnos de la banda es quién es quién del jazz directo de los años 50 en adelante: Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Johnny Griffin, Jackie McLean, Donald Byrd, Bobby Timmons, Cedar Walton, Benny Golson, Joanne Brackeen, Billy Harper, Valery Ponomarev, Bill Pierce, Branford Marsalis, James Williams, Keith Jarrett y Chuck Mangione, por nombrar a varios de los más conocidos. En los años 80, los graduados precoces de la Escuela de Swing de Blakey continuarían siendo uno de los impulsores y agitadores del jazz, siendo el más destacado el trompetista Wynton Marsalis. Marsalis se convirtió en el símbolo más visible de la corriente principal del jazz de los 80; a través de él, los ideales conservadores de Blakey llegaron a dominar la percepción pública de la música. En el momento de su muerte en 1990, la estética Messenger dominaba el jazz, y podría decirse que el propio Blakey se había convertido en el músico de jazz más influyente de los últimos 20 años.

La primera educación musical de Blakey llegó en forma de lecciones de piano; tocaba profesionalmente en séptimo grado, liderando su propia banda comercial. Cambió a la batería poco después, aprendiendo a tocar con el estilo duro de Chick Webb y Sid Catlett. En 1942, tocó con la pianista Mary Lou Williams en Nueva York. Realizó una gira por el Sur con la banda de Fletcher Henderson en 1943-1944. A partir de ahí, dirigió brevemente una big band con sede en Boston antes de unirse al nuevo grupo de Billy Eckstine, con el que permanecería de 1944 a 1947. La big band de Eckstine fue la famosa "cuna del jazz moderno" e incluyó (en diferentes momentos) a figuras tan importantes de la próxima revolución del bebop como Dizzy Gillespie, Miles Davis y Charlie Parker. Cuando el grupo de Eckstine se disolvió, Blakey inició un conjunto de ensayo llamado Seventeen Messengers. También grabó con un octeto, la primera de sus bandas en llamarse Jazz Messengers. A principios de los 50, Blakey inició una asociación con Horace Silver, un pianista particularmente afín con quien grabó varias veces. En 1955, formaron un grupo con Hank Mobley y Kenny Dorham, llamándose a sí mismos "Horace Silver and the Jazz Messengers"."The Messengers tipificaron el creciente movimiento hard bop hard duro, funky y blues, la banda enfatizó la esencia rítmica y armónica primordial de la música. Un año después, Silver dejó la banda y Blakey se convirtió en su líder. A partir de ese momento, los Mensajeros fueron el vehículo principal de Blakey, aunque continuaría trabajando como autónomo en varios contextos. Notable fue A Jazz Message, una cita discográfica Impulse de 1963 con McCoy Tyner, Sonny Stitt y Art Davis; una gira mundial de 1971-1972 con "the Giants of Jazz", una aventura estelar con Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, Sonny Stitt y Al McKibbon; y una batalla de tambores de época con Max Roach, Elvin Jones y Buddy Rich en el Festival de Jazz de Newport de 1964. Blakey también grabó con frecuencia como acompañante bajo el liderazgo de ex Mensajeros.

La influencia de Blakey como líder de banda no podría haber sido tan grande si no hubiera sido un instrumentista tan hábil. Ningún baterista jamás impulsó a una banda más fuerte; ninguno pudo generar un impulso más absoluto en el transcurso de una melodía; y probablemente ningún baterista tuvo un punto de ebullición más bajo Bl Blakey comenzó cada actuación a fondo y partió de allí. Su estilo de acompañamiento era implacable, y ay del joven saxofonista que no podía seguir el ritmo, porque Blakey lo atropellaría como un fullback. Blakey se diferenciaba de otros bateristas de bop en que su estilo trataba casi por completo de los atributos físicos de la música. Mientras que su contemporáneo Max Roach trató extensamente la relación del baterista con la melodía y el timbre, por ejemplo, Blakey mostró poco interés en tales asuntos. Para él, la percusión de jazz no se trataba del color del tono; se trataba del ritmo, primero, último y intermedio. La batería de Blakey fue el motor que impulsó la música. En la medida en que exhibió poco desarrollo conceptual a lo largo de su larga carrera, ya sea como músico o como líder de banda, Blakey fue limitado. Él no era un visionario de ninguna manera. Pero Blakey hizo una cosa extremadamente bien, y lo hizo con genio, espíritu y generosidad hasta el final de su vida.
https://www.allmusic.com/artist/art-blakey-mn0000928942#biography

artblakey.com ...

Mongo Santamaria • El Pussy Cat

 

Mongo Santamaria enjoyed a long and successful career in Latin music. His recordings and concert performances ranged from the authentic percussion music of Afro-Cuban religious rituals through to Latin-jazz reworkings of American jazz and pop hits.

His song Afro-Blue became a contemporary jazz standard, best-known in the coruscating version by saxophonist John Coltrane. His own adaptation of Herbie Hancock’s Watermelon Man provided the biggest hit of his career in 1963, and is regarded as a classic artefact on the Lounge Music scene.

He was born Ramon Santamaria in Cuba, and nicknamed Mongo by his father (the word denotes a tribal chief in Senegal). He began learning violin, but quickly switched to drums and then congas, and left school early to work as a musician on the highly active local scene in Havana.

He graduated to the famous Tropicana Club with bands like Conjunto Matamoros and Conjunto Azul, then moved to New York in 1950. He was able to pursue his interest in American jazz at its epicentre, while gaining valuable exposure playing with two of the most important Latin band leaders in the city, Perez Prado and later Tito Puente.

Their explosive percussion battles became a major attraction in Puente’s band, but in 1958 he left the band to work with the jazz vibraphonist Cal Tjader, who was beginning to explore the Latin jazz direction which made his reputation. He spent some years in California in this period, but returned to New York in 1962.

He was already making records under his own name while working with Tjader, and soon formed his own band in New York. He came across Herbie Hancock’s Watermelon Man when the pianist sat in with the band at a Cuban music club in the Bronx in 1962, and immediately saw the possibilities.

His own version was a top ten entry on the American pop charts in 1963, and launched the percussionist on a new and more commercial direction, although the standard of his musicians generally remained high, including jazz artists like Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune and Hubert Laws.

He pursued the strategy of adding a Latin groove to jazz and pop tunes throughout the next two decades, and became an acknowledged leader in the highly popular Latin-soul fusion movement of the era. He became one of the best known names in Latin music, and reached a wide audience with his accessible, dance-oriented approach to the music.

Although he never scored another hit of the magnitude of Watermelon Man, his other successes of the period included an energised version of La Bamba in 1964 and another big American success with his version of The Temptations’s Cloud Nine in 1969. He received several Grammy nominations in the Seventies and Eighties, and won the award in 1977 for his album Amancer.

In the early Eighties he returned to a more jazz influenced direction. He continued to perform into the early Nineties, and made further recordings even after he retired from concert appearances.

Latin Jazz conguero and bandleader Ramón “Mongo” Santamaria, unfortunately passed away in Miami, Florida, on February 1st, 2003 at the age of 85.

Mongo's body of work and his contribution to the evolution of percussion not just in Latin genres but in music in general is one that will continue to inspire musicians for years to come.

https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria

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Mongo Santamaría disfrutó de una larga y exitosa carrera en la música latina. Sus grabaciones y conciertos abarcaron desde la auténtica música de percusión de rituales religiosos afrocubanos hasta la reelaboración de jazz latinoamericano y éxitos pop.

Su canción Afro-Blue se convirtió en un estándar del jazz contemporáneo, más conocido en la versión coruscante del saxofonista John Coltrane. Su propia adaptación de Watermelon Man de Herbie Hancock proporcionó el mayor éxito de su carrera en 1963, y es considerado como un artefacto clásico en la escena Lounge Music.

Nació en Cuba, Ramón Santamaría, y su padre lo apodó Mongo (la palabra denota un jefe tribal en Senegal). Comenzó a aprender violín, pero rápidamente cambió a la batería y luego a las congas, y dejó la escuela temprano para trabajar como músico en la activa escena local de La Habana.

Se graduó en el famoso Tropicana Club con bandas como Conjunto Matamoros y Conjunto Azul, y luego se mudó a Nueva York en 1950. Pudo continuar su interés en el jazz americano en su epicentro, mientras ganaba una valiosa exposición tocando con dos de los líderes de bandas latinas más importantes de la ciudad, Pérez Prado y más tarde Tito Puente.

Sus explosivas batallas de percusión se convirtieron en una gran atracción para la banda de Puente, pero en 1958 dejó la banda para trabajar con el vibrafonista de jazz Cal Tjader, quien estaba comenzando a explorar la dirección del jazz latino que hizo su reputación. Pasó algunos años en California en este período, pero regresó a Nueva York en 1962.

Ya estaba grabando discos bajo su propio nombre mientras trabajaba con Tjader, y pronto formó su propia banda en Nueva York. Se encontró con Watermelon Man de Herbie Hancock cuando el pianista se sentó con la banda en un club de música cubana en el Bronx en 1962, e inmediatamente vio las posibilidades.

Su propia versión fue una de las diez mejores entradas en las listas de éxitos del pop estadounidense en 1963, y lanzó al percusionista en una dirección nueva y más comercial, aunque el nivel de sus músicos en general siguió siendo alto, incluyendo a artistas de jazz como Chick Corea, Ray Vega, Sonny Fortune y Hubert Laws.

Siguió la estrategia de añadir un groove latino a las melodías de jazz y pop durante las dos décadas siguientes, y se convirtió en un líder reconocido en el altamente popular movimiento de fusión de alma latina de la época. Se convirtió en uno de los nombres más conocidos de la música latina, y llegó a un amplio público con su enfoque accesible y orientado a la danza.

Aunque nunca tuvo otro éxito de la magnitud de Watermelon Man, sus otros éxitos de la época incluyeron una versión animada de La Bamba en 1964 y otro gran éxito americano con su versión de The Temptations's Cloud Nine en 1969. Recibió varias nominaciones a los Grammy en los años setenta y ochenta, y ganó el premio en 1977 por su álbum Amancer.

A principios de los ochenta regresó a una dirección más influenciada por el jazz. Continuó tocando hasta principios de los años noventa, e hizo más grabaciones incluso después de retirarse de las apariciones en conciertos.

El conguero y director de orquesta de jazz latino Ramón "Mongo" Santamaría, lamentablemente falleció en Miami, Florida, el 1 de febrero de 2003 a la edad de 85 años.

El trabajo de Mongo y su contribución a la evolución de la percusión no sólo en los géneros latinos, sino en la música en general, es uno que continuará inspirando a los músicos en los años venideros.

https://musicians.allaboutjazz.com/mongosantamaria

Tom Jobim & Sérgio Mendes • Tom Jobim & Sérgio Mendes

This is described on the cover somewhat disingenuously as a collaborative album, when in fact it is a compilation. Five of the tracks (not one continuous side, as suggested by the liner notes) are taken from Mendes' 1965 album Bossa Nova York/The Swinger From Rio. The other six tracks are from second session with Caymmi and his son Dori. The Mendes tracks alternate with the Caymmi tracks. Jobim is the only constant.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

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Esto se describe en la portada de manera un tanto engañosa como un álbum colaborativo, cuando en realidad es una compilación. Cinco de las pistas (no un lado continuo, como sugieren las notas) están tomadas del álbum de Mendes de 1965 Bossa Nova York / The Swinger From Rio. Los otros seis temas son de la segunda sesión con Caymmi y su hijo Dori. Las pistas de Mendes se alternan con las pistas de Caymmi. Jobim es la única constante.
https://www.discogs.com/release/3635129-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes-Antonio-Carlos-Jobim-S%C3%A9rgio-Mendes

Herbie Mann • Flute, Brass, Vibes and Percussion [link ok]

 

Review by Scott Yanow

In 1960, flutist Herbie Mann put together a very interesting band that was in its brief existence (before Mann's interests shifted elsewhere) one of the top in Afro-Cuban jazz. Utilizing four trumpets (including Doc Cheatham), up to three percussionists and a flute-vibes-bass-drums quartet, Mann performs four standards (including "Dearly Beloved," "I'll Remember April" and "Autumn Leaves") and two originals in a style that was beyond bop and much more African- and Cuban-oriented. This LP (long deserving of being reissued on CD) is quite underrated and is one of the finest of Mann's long career.

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Revisión por Scott Yanow

En 1960, el flautista Herbie Mann armó una banda muy interesante que en su breve existencia (antes de que los intereses de Mann cambiaran a otra parte) se convirtió en uno de los mejores del jazz afrocubano. Utilizando cuatro trompetas (incluido Doc Cheatham), hasta tres percusionistas y un cuarteto de flautas-bombo-batería, Mann presenta cuatro estándares (incluyendo "Dearly Beloved", "I'll Remember April" y "Autumn Leaves") y dos originales en un estilo que estaba más allá del bop y mucho más orientado hacia los africanos y cubanos. Este LP (que merece ser reeditado en CD) está bastante subestimado y es uno de los mejores de la larga carrera de Mann.

Ethel Smith • Souvenir Album

Mucho se ha escrito y dicho de la trilogia "Smith" del órgano Hammond: Johnny 'Hammond' Smith, Dr. Lonnie Smith y Jimmy Smith, pero a mi parecer es justo y necesario hacer un reconocimiento al primer Smith, o mejor dicho a la primera: Ethel Smith.

Traducción Automática:

Ethel Smith (22 noviembre 1902 hasta 10 mayo 1996) fue una organista americana que tocó principalmente en un estilo pop en el órgano Hammond.

Nacida Ethel Goldsmith, se realiza a partir de una edad bastante joven y viajó mucho, aprendiendo varios idiomas. Ella se convirtió en experto en la música latina durante su estancia en América del Sur, y es el estilo de música con el que ahora se encuentra más asociado.

Ella era un guitarrista, así como organista, y en sus últimos años de vez en cuando tocaba la guitarra en vivo para el público, pero todas sus grabaciones estaban en el órgano. Ella finalmente grabó decenas de discos, sobre todo para Decca Records.

Una mujer atractiva con una preferencia por los trajes de colores, en particular los sombreros, Smith realizó en varias películas de Hollywood.

Estaba casada con el actor de Hollywood Ralph Bellamy 1945-1947, a la altura de su fama y su amargo divorcio fue noticia. Su interpretación de "Tico Tico" se convirtió en su éxito más conocido.

Ella se realizó en la película de MGM de sirenas (1944), después de lo cual su grabación llegó a las listas de éxitos de Estados Unidos en noviembre de 1944, alcanzó el puesto # 14 el 27 de enero de 1945, y vendió cerca de dos millones de copias en todo el mundo.grabación de "Mono en una cadena" de Smith se convirtió en el tema central de Garfield ganso y de los amigos, un popular programa de televisión infantil en Chicago que funcionó desde 1952 hasta 1976.

Smith murió el 10 de mayo de 1996, a los 93 años.

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Much has been written and said of the trilogy "Smith" of Hammond organ: Johnny 'Hammond' Smith, Dr. Lonnie Smith and Jimmy Smith, but I think it is fair and necessary to acknowledge the first Smith of Hammond: Ethel Smith.

Ethel Smith (November 22, 1902 - May 10, 1996) was an American organist who played primarily in a pop style on the Hammond organ.

Born Ethel Goldsmith, she performed from a fairly young age and traveled widely, learning several languages. She became proficient in Latin music while staying in South America, and it is the style of music with which she is now most associated. She was a guitarist as well as an organist, and in her later years occasionally played the guitar live for audiences, but all her recordings were on the organ. She ultimately recorded dozens of albums, mostly for Decca Records.

An attractive woman with a preference for colorful outfits, particularly hats, Smith performed in several Hollywood films. She was married to Hollywood actor Ralph Bellamy from 1945 to 1947, at the height of her fame, and their acrimonious divorce made headlines.

Her rendition of "Tico Tico" became her best-known hit. She performed it in the MGM film Bathing Beauty (1944), after which her recording reached the U.S. pop charts in November 1944, peaked at #14 on January 27, 1945, and sold nearly two million copies worldwide.

Smith's recording of "Monkey on a String" became the theme song for Garfield Goose and Friends, a popular children's television show in Chicago that ran from 1952 until 1976.

Smith died on May 10, 1996, at age 93.

more info ...

The Quartette Trés Bien • Bully!

The Quartette Trés Bien was an American jazz combo based in St. Louis led by pianist Jeter Thompson. The group was founded in 1959 and began recording in 1962. Jeter Thompson played with Jimmy Forrest, Oliver Nelson and Emmett Carter in his early years. The bassist of the group is Richard Simmons, the drummer Albert St. James who accompanied also Charlie Parker, Tab Smith and Jimmy Forrest. Percussionist Percy James added a latin flavor to the quartet who played more than ten years, before splitting in 1973. Jeter Thompson later assembled the Trio Tres Bien with his brothers Harold Thompson (bass) and Howard Thompson (drums).

https://www.discogs.com/artist/1433721-Quartette-Tr%C3%A9s-Bien

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El Quartette Trés Bien era un combo de jazz americano con sede en St. Louis dirigido por el pianista Jeter Thompson. El grupo fue fundado en 1959 y comenzó a grabar en 1962. Jeter Thompson tocó con Jimmy Forrest, Oliver Nelson y Emmett Carter en sus primeros años. El bajista del grupo es Richard Simmons, el baterista Albert St. James que también acompañó a Charlie Parker, Tab Smith y Jimmy Forrest. El percusionista Percy James añadió un sabor latino al cuarteto que tocó durante más de diez años, antes de separarse en 1973. Jeter Thompson más tarde montó el Trío Tres Bien con sus hermanos Harold Thompson (bajo) y Howard Thompson (batería).

https://www.discogs.com/artist/1433721-Quartette-Tr%C3%A9s-Bien

Marcos Ariel • Piano Com Tom Jobim

 

Biography by Alvaro Neder
Since the '70s, Marcos Ariel has dedicated himself to Brazilian instrumental music and jazz, reaching international status throughout the next decade. Ariel studied classical music in his childhood, being attracted to jazz later by the likes of Hermeto Pascoal and Chick Corea. He formed his first band, Grupo Usina, in 1978. His debut album, Bambu, was released in Brazil and France. In Brazil, it was awarded with the Chiquinha Gonzaga prize in 1983. In 1986, Ariel participated in São Paulo's Free Jazz Festival, and in the next year, along with his participation in Rio's edition of the same festival, he recorded the memorable Banda Zil with Ricardo Silveira, Zé Renato, and others. But it was Terra do Índio (1988) that projected him in the U.S., a country in which Ariel has been performing regularly ever since.
https://www.allmusic.com/artist/marcos-ariel-mn0000953860/biography

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Biografía de Alvaro Neder
Desde los años 70, Marcos Ariel se ha dedicado a la música instrumental brasileña y al jazz, alcanzando un estatus internacional a lo largo de la siguiente década. Ariel estudió música clásica en su infancia, y más tarde se sintió atraído por el jazz de la mano de artistas como Hermeto Pascoal y Chick Corea. Formó su primera banda, el Grupo Usina, en 1978. Su primer álbum, Bambu, se publicó en Brasil y Francia. En Brasil, recibió el premio Chiquinha Gonzaga en 1983. En 1986, Ariel participó en el Festival de Jazz Libre de São Paulo, y al año siguiente, junto con su participación en la edición de Río del mismo festival, grabó la memorable Banda Zil con Ricardo Silveira, Zé Renato y otros. Pero fue Terra do Índio (1988) el que le proyectó en Estados Unidos, país en el que Ariel actúa regularmente desde entonces.
https://www.allmusic.com/artist/marcos-ariel-mn0000953860/biography


www.marcosariel.com ...


Colaborador / Contributor:  Pere

Dave Pike • Got The Feelin'

 

From the late 60s Boogaloo/Psychedelic period here's a long unavailable session from US Detroit born master vibraphonist Dave Pike
–who worked in Germany, Belgium and the Netherlands between 68 and 73- that was originally released Dutch only in 1968
 on the Rock label Relax Records. joined by Rob Franken on organ, Joop Scholten on guitar, Ruud Jacobs on e-bass and Louis deBy behind the drums

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Desde finales de los 60's el período de Boogaloo/Psicodélico aquí está una larga sesión no disponible del maestro vibrafonista nacido en Detroit, Dave Pike
-que trabajó en Alemania, Bélgica y los Países Bajos entre el 68 y el 73, que fue originalmente liberado holandés sólo en 1968.
 en el sello de rock Relax Records. Junto con Rob Franken en el órgano, Joop Scholten en la guitarra, Ruud Jacobs en el bajo electrónico y Louis deBy detrás de la batería

 

Cal Tjader • Amazonas

 

 

 

Cal Tjader crafted one the sleekest and most distinctive sounds in Latin jazz. His cool, shimmering, jazz vibes, gliding fluidly atop fiery, hot Afro-Cuban rhythms, made for a sonic signature that helped introduce the genre into a mainstream audience.

Cal Tjader’s mother was a concert pianist, his father a vaudeville performer. He grew up with them on the road, tap- dancing his way through early childhood. Later, the family settled down in San Mateo on the San Francisco Peninsula, and his father opened a dancing school. After high school and a stint in the Navy, Cal ended up at San Francisco State College, where he first met up with Dave Brubeck and Paul Desmond.

Tjader graduated in 1950 with a B.A. in education and a minor in music. With Brubeck, Tjader hit the big time and he liked it. The years between 1949 and 1951 were spent with Brubeck. Then, after a short stint as leader of his own group, Cal joined George Shearing’s Quintet as featured vibraphonist and percussionist. While with Shearing Cal made frequent trips to New York and began listening to the Latin New York bands of Tito Puente and Machito.

When Tjader left Shearing, he formed his own group again and began to record prolifically for Fantasy. Between 1954 and 1962, Tjader cut a series of over 20 albums for Fantasy. The list of people who recorded with him during that time is truly impressive. Some are Eddie Palmieri, (on whom he had a major influence) Vince Guaraldi, Mongo Santamaria, Willie Bobo, Stan Getz, Al McKibbon, Armando Peraza, Latin percussionist Johnnie Rae, and saxophonist Paul Horn. Many of those albums are still in the Fantasy catalog. He then signed on with Verve in 1963, and continued on a roll.

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Cal Tjader creó uno de los sonidos más elegantes y distintivos del jazz latino.  Sus vibraciones de jazz frescas y brillantes, deslizándose fluidamente sobre los ardientes y calientes ritmos afrocubanos, crearon una firma sónica que ayudó a introducir el género en un público mayoritario.

La madre de Cal Tjader era una concertista de piano, su padre un intérprete de vodevil. Creció con ellos en la carretera, bailando claqué durante su infancia. Más tarde, la familia se estableció en San Mateo, en la península de San Francisco, y su padre abrió una escuela de baile. Después de la escuela secundaria y un período en la Marina, Cal terminó en el San Francisco State College, donde se reunió por primera vez con Dave Brubeck y Paul Desmond.

Tjader se graduó en 1950 con una licenciatura en educación y una especialización en música. Con Brubeck, Tjader tuvo un gran éxito y le gustó. Los años entre 1949 y 1951 los pasó con Brubeck. Luego, después de un corto período como líder de su propio grupo, Cal se unió al Quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Mientras estaba con Shearing, Cal hizo frecuentes viajes a Nueva York y comenzó a escuchar a las bandas neoyorquinas latinas de Tito Puente y Machito.

Cuando Tjader dejó Shearing, volvió a formar su propio grupo y comenzó a grabar prolíficamente para Fantasy. Entre 1954 y 1962, Tjader cortó una serie de más de 20 álbumes para Fantasy. La lista de personas que grabaron con él durante ese tiempo es realmente impresionante. Algunos son Eddie Palmieri, (en quien tuvo una gran influencia) Vince Guaraldi, Mongo Santamaría, Willie Bobo, Stan Getz, Al McKibbon, Armando Peraza, el percusionista latino Johnnie Rae, y el saxofonista Paul Horn. Muchos de esos álbumes todavía están en el catálogo de Fantasy. Luego firmó con Verve en 1963, y continuó en el rollo.
 

 

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 1 of 6

 

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:

Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 2 of 6

 

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:

Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 3 of 6

 

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:

Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 5 of 6

 

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:

Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

VA • The Bossa Nova Exciting Jazz Samba Rhythms - Vol 6 of 6

 

The Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms is a six-volume series of music highlighting some of the beautiful music of Brazil, shown by the artists of the country along with outsiders who too have fallen in love with the bossa nova. The first five volumes were released by Rare Groove Recordings in 2000 and due to its success, a sixth and final version was released two years later, highlighting some of the bossa nova music used in motion pictures. Some of the material are sourced from vinyl.

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Traducción Automática:

Bossa Nova: Exciting Jazz Samba Rhythms es una serie de seis volúmenes de música que destaca algunas de las bellas músicas de Brasil, mostradas por los artistas del país junto con extraños que también se enamoraron de la bossa nova. Los primeros cinco volúmenes fueron lanzados por Rare Groove Recordings en 2000 y, debido a su éxito, se lanzó una sexta y última versión dos años más tarde, destacando parte de la música de bossa nova utilizada en las películas. Algunos de los materiales provienen de vinilo.

 

Herbie Mann • Flamingo Vol 2

Herbie Mann & Phil Woods • Beyond Brooklyn

 

Review by Scott Yanow

Flutist Herbie Mann's last record date brought him back to his roots, playing bop-oriented jazz. Actually, he co-led the session with an old friend, altoist Phil Woods, who he did not have many opportunities to play with after the 1950s. The results are delightful, with some bop standards, a few Latin tunes, and some basic originals comprising the program. The instrumentation changes from track to track, with two different rhythm sections being used and guest appearances from Gil Goldstein on accordion and trombonist Jay Ashby. Mann, who spontaneously recorded the closing "Time After Time" at a slightly later date when he was already seriously ill, sounds in prime form throughout this happy set. His final musical chapter is well worth savoring.

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Revisión por Scott Yanow

La última fecha de la grabación del flautista Herbie Mann lo devolvió a sus raíces, tocando jazz orientado a bop. En realidad, co-dirigió la sesión con un viejo amigo, el altoista Phil Woods, con quien no tuvo muchas oportunidades de jugar después de los años cincuenta. Los resultados son deliciosos, con algunos estándares de bop, algunas melodías latinas y algunos originales básicos que comprenden el programa. La instrumentación cambia de pista a pista, con dos secciones de ritmo diferentes que se utilizan y apariciones como invitado de Gil Goldstein en el acordeón y trombonista Jay Ashby. Mann, quien grabó espontáneamente el "Tiempo después del Tiempo" de cierre en una fecha un poco más tarde cuando ya estaba gravemente enfermo, suena en forma privilegiada a lo largo de este conjunto feliz. Su último capítulo musical merece la pena saborearlo.

Caçulinha • Na Bossa Nova

 

Biografia:
Rubens Antônio da Silva ficou conhecido na história da música popular brasileira por seus inúmeros talentos como multi-instrumentista e por suas grandes contribuições em composições importantes para o cenário musical brasileiro.
Influenciado pelo duo de violeiros formado por seu tio Caçula e seu pai Mariano, Caçulinha tocou os seus primeiros acordes aos 8 anos de idade. A convivência com esses dois grandes nomes da música regional permitiu que o músico iniciasse desde cedo sua trajetória, marcada por muito talento e composições que colaboraram para a evolução da identidade cultural e musical do país.
Sua carreira profissional começou ao lado de seu pai, quando juntos formaram a dupla “Mariano e Caçulinha”. Após o início da década de 50, sua carreira como multi-instrumentista foi impulsionada ao começar a gravar discos e a compor músicas ao lado de grandiosos artistas, como Caetano Veloso, Elis Regina, Elizeth Cardoso, João Gilberto, Jair Rodrigues e Luiz Gonzaga.

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Automatic translation:
Biography:
Rubens Antônio da Silva became known in the history of Brazilian popular music for his many talents as a multi-instrumentalist and for his great contributions in compositions important to the Brazilian music scene.
Influenced by the duo of violeiros formed by his Uncle, and his father Mariano, Caçulinha played his first chords at the age of 8. The coexistence with these two great names of regional music allowed the musician to start his career early, marked by great talent and compositions that contributed to the evolution of the country's cultural and musical identity.
His professional career began alongside his father, when together they formed the duo "Mariano e Caçulinha". After the beginning of the 50's, his career as a multi-instrumentalist was boosted when he began recording records and composing songs alongside great artists like.

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Traducción Automática:
Biografía:
Rubens Antônio da Silva fue conocido en la historia de la música popular brasileña por sus innumerables talentos como multi-instrumentista y por sus grandes contribuciones en composiciones importantes para el escenario musical brasileño.
Influenciado por el dúo de violeiros formado por su tío Caçula y su padre Mariano, Caçulinha tocó sus primeros acordes a los 8 años de edad. La convivencia con estos dos grandes nombres de la música regional permitió que el músico iniciara desde temprana su trayectoria, marcada por mucho talento y composiciones que colaboraron para la evolución de la identidad cultural y musical del país.
Su carrera profesional comenzó al lado de su padre, cuando juntos formaron la pareja "Mariano y Caçulinha". Después de principios de la década de 1950, su carrera como multi-instrumentista fue impulsada al comenzar a grabar discos ya componer canciones junto a grandes artistas, como Caetano Veloso, Elis Regina, Elizeth Cardoso, João Gilberto, Jair Rodrigues y Luiz Gonzaga.

Herbie Mann • Gagaku & Beyond

 

This is easily the strangest record Herbie Mann ever made -- and that's saying something.  Released as an import-only in 1976, Gagaku & Beyond had Mann working in the world music fusion genre with great success long before new age or "world music" were ever marketing catch phrases.  This set puts the "family of Mann" -- that included bassist Tony Levin, drummer Steve Gadd, guitarist Sam T. Brown, as well as Pat Rebillot on keyboards -- in close proximity to the stellar Japanese ensemble Minuro Muraoka.  Muraoka's group concentrated on performing the royal court music of Japan, gagaku, with original instruments that include samisen, koto, riu teki, kakko, shoko, shakuhachi, and the big drums, taiko o-daiko and the wa-daiko. In addition, on track one, "Shomyo," the two bands are joined by Modern Shomyo Study, a quartet of chanting zen monks.  Exotic, huh? Yes, and so stirring and beautifully textured it's a wonder that hundreds of recordings were not modeled on its subtle ambiences, gloriously rich charts, and tasteful engagements.  Mann's group doesn't try to be Japanese, nor do the Japanese musicians try to be jazzers. They engage each other in a place of respect, frankness, and hauntingly similar intentions: to articulate inner spaces using spare structures to illuminate timbre, breath, space, and tonalities.  Yes, the music is melodic, though some may find "Shomyo" a little jarring with its chants, but they are seamless, edgeless, warm, and full.  The two ensembles don't play together all the time -- there are various configurations at work over the album's five cuts -- but those details are for listeners to sort on their own.  For now, this is, along with Mann's more soul- and bossa-oriented recordings, one of his most essential works: groundbreaking, heartrendingly beautiful, and full of deep, contemplative soul. ~ Thom Jurek, All Music Guide

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Este es sin duda el disco más extraño que ha hecho Herbie Mann, y eso es mucho decir.  Editado como disco de importación en 1976, Gagaku & Beyond hizo que Mann trabajara en el género de la fusión de músicas del mundo con gran éxito mucho antes de que la nueva era o la "música del mundo" fueran frases hechas de marketing.  Este conjunto sitúa a la "familia de Mann" -que incluía al bajista Tony Levin, al batería Steve Gadd, al guitarrista Sam T. Brown, así como a Pat Rebillot a los teclados- muy cerca del estelar conjunto japonés Minuro Muraoka.  El grupo de Muraoka se concentró en la interpretación de la música de la corte real de Japón, el gagaku, con instrumentos originales que incluyen el samisen, el koto, el riu teki, el kakko, el shoko, el shakuhachi y los grandes tambores, el taiko o-daiko y el wa-daiko. Además, en la primera pista, "Shomyo", a las dos bandas se les une Modern Shomyo Study, un cuarteto de monjes zen que cantan.  Exótico, ¿eh? Sí, y tan conmovedor y bellamente texturizado que es una maravilla que no se hayan modelado cientos de grabaciones con sus sutiles ambientes, sus gloriosos gráficos y sus compromisos de buen gusto.  El grupo de Mann no intenta ser japonés, ni los músicos japoneses intentan ser jazzistas. Se relacionan entre sí desde el respeto, la franqueza y unas intenciones inquietantemente similares: articular los espacios interiores utilizando estructuras libres para iluminar el timbre, la respiración, el espacio y las tonalidades.  Sí, la música es melódica, aunque algunos pueden encontrar "Shomyo" un poco chocante con sus cantos, pero son fluidos, sin aristas, cálidos y plenos.  Los dos conjuntos no tocan juntos todo el tiempo -hay varias configuraciones en los cinco cortes del álbum-, pero esos detalles deben ser resueltos por los oyentes.  Por ahora, ésta es, junto con las grabaciones más orientadas al soul y a la bossa de Mann, una de sus obras más esenciales: innovadora, desgarradoramente bella y llena de alma profunda y contemplativa. ~ Thom Jurek, All Music Guide